​Con questo gioco speciale, Maria Lai ci invita a scoprire l’arte come un’avventura fatta di domande, immagini e immaginazione.
I luoghi dell’arte a portata di mano è un cofanetto composto da quattro mazzi di carte: Luoghi simbolici, Luoghi comuni, Luoghi relativi e Luoghi paralleli. Ogni carta è come una piccola porta da aprire per guardare l’arte (e il mondo) in modo nuovo.
Non ci sono regole fisse: si può parlare, fare domande, inventare storie, leggere le immagini e interpretarle liberamente. Giocando insieme, impariamo ad allenare lo sguardo, a vedere ciò che spesso passa inosservato e a scoprire che l’arte non è lontana o difficile, ma può essere vicina, concreta e alla portata di tutti. Per Maria Lai l’arte è un luogo di incontro, dove grandi e piccoli possono pensare, immaginare e costruire insieme nuovi modi di stare nel mondo.

Insieme alle classi di Media e Design della Comunicazione di IED Cagliari, all’interno del corso di Fenomenologia delle Arti Contemporanee, abbiamo attraversato linguaggi diversi e complementari: opere e territorio, ricerca artistica e progettazione, narrazione culturale ed esperienza viva dell’arte. 
Muoversi tra le sale, sostare davanti alle opere, ascoltare le storie che le abitano, osservare i dettagli, prestare attenzione alle proprie percezioni: tutto questo ha permesso di avvicinarsi alle opere di Maria Lai e Albrecht Dürer, non come a un insieme di artefatti da interpretare, ma come a un pensiero in forma visiva, aperto a molteplici letture.
Le opere diventano così potenti dispositivi di relazione, capaci di attivare domande più che fornire risposte.

È stata una visita preziosa, non solo per conoscere da vicino il percorso artistico di Maria Lai, ma anche per esercitare uno sguardo critico e sensibile: quello che nasce quando si attraversa un museo con curiosità, tempo e immaginazione. Uno sguardo attento che si esercita nel confronto, nella condivisione, nello scambio tra sensibilità diverse.

Grazie a tutte e tutti per la partecipazione attiva e per la qualità delle riflessioni condivise. Esperienze come questa confermano quanto il museo contemporaneo possa essere un luogo di formazione  profonda: non solo uno spazio espositivo, ma un laboratorio di pensiero, di conoscenza e di relazione.

Due intense giornate di formazione al Museo d’Arte di Mendrisio, nel cuore della Svizzera italiana, nelle quali ho accompagnato i docenti di arti visive e arti plastiche delle scuole del Canton Ticino in un percorso di sperimentazione e scoperta.
In questa occasione sono stato ospite della SUPSI University of Applied Sciences and Arts of Southern Switzerland, nell’innovativo Dipartimento ambiente costruzioni e design di Mendrisio.
Attraverso un workshop partecipativo, ho proposto di vivere l’esperienza dell’arte come un’occasione per rinnovare lo sguardo, per ritrovare la capacità di osservare con attenzione e curiosità, e per lasciarsi attraversare da un’esperienza estetica intensa e coinvolgente.
Le straordinarie opere grafiche di Pablo Picasso sono state il punto di partenza di questo percorso in cui riscoprire il senso di meraviglia: sollecitati dalle sue visioni immaginifiche, abbiamo dato spazio a emozioni, intuizioni e memorie, trasformando l’esperienza dell’arte in un atto creativo e trasformativo.

Sono appena rientrato dalla Svizzera, dove ho avuto il piacere di condurre un incontro di formazione continua rivolto ai docenti di Educazione Visiva ed Educazione alle Arti Plastiche della scuola media del Cantone Ticino.

All’appuntamento hanno preso parte oltre 120 insegnanti, con i quali abbiamo condiviso un percorso di sperimentazione attiva: esercizi di osservazione e narrazione, pratiche di mediazione creativa e metodologie partecipative pensate per rendere l’esperienza dell’arte più coinvolgente e significativa per gli studenti.

La giornata non è stata soltanto un’occasione di condivisione di strumenti operativi, ma anche un prezioso momento di confronto, dialogo e riflessione collettiva su alcune delle sfide educative più urgenti del nostro tempo: dall’importanza di stimolare il pensiero critico e la sensibilità estetica nei più giovani, al ruolo che arte e musei possono assumere come spazi di inclusione, apertura e cittadinanza attiva.

E' emersa con forza l’idea che l’arte non debba essere soltanto oggetto di studio, ma esperienza viva, capace di generare meraviglia, relazioni e nuove forme di apprendimento. In questo senso, l’educazione artistica e museale si conferma come un territorio particolarmente fertile da cui possono germogliare pratiche didattiche innovative, in grado di restituire all’insegnamento un valore trasformativo.

Dal 9 al 12 luglio 2025 a Cuneo sono stato ospite del Festival dell’Educazione ‘A tutto tondo’ per coordinare la Summer School in Educazione Museale.
Un’esperienza entusiasmante in compagnia di ospiti speciali per parlare di musei vivi, sensibili, empatici, accoglient. Tre giornate di scambi e relazioni tra arte e educazione.

Ho progettato una serie di incontri dedicati a ripensare il ruolo dei musei come spazi inclusivi, accessibili e strettamente legati alle esigenze e alle specificità delle comunità e dei territori in cui si trovano.
Le sessioni sono state condotte da professionalità che abitano e animano diverse realtà museali nel territorio nazionale.
Durante queste giornate, insieme a Carlo Tamanini (Museo Mart), Melania Longo (progettista culturale indipendente), Annalisa Trasatti (Museo Omero), Antonella Micaletti (ABA Urbino), abbiamo affrontato temi fondamentali per rendere i musei luoghi più accoglienti e attenti al benessere emotivo e sociale del pubblico.

Ciascun ospite ha condiviso esperienze e spunti di riflessione per favorire l’interazione tra musei e scuole e per rendere i musei luoghi più partecipativi e vicini alle persone.
Maggiori info sul programma:
https://rondodeitalenti.it/summer-school-2025/

Esercizi di Meraviglia è stato il mio intervento dedicato alla sessione plenaria con oltre 130 partecipanti alle summer school del programma del Festival. Un incontro partecipativo per riscoprire la meraviglia e lo stupore come elementi fondamentali per una connessione più profonda con il mondo che ci circonda. L’esperienza culturale può diventare così un fertile terreno di esplorazione, capace di accendere riflessioni sulla bellezza e sulla complessità della realtà.
Questo incontro dialogico e laboratoriale ha messo al centro il valore educativo della meraviglia, intesa come un potente catalizzatore per sollecitare interesse e curiosità intellettuale in persone di tutte le età.
Attraverso un approccio esperienziale e interattivo, ho guidato i partecipanti in un viaggio di scoperta che, attraverso alcuni capolavori dell’arte universale,  è diventato anche un’occasione per conoscere meglio se stessi.

La mia parola per descrivere l’intensità di queste giornate al Festival dell’Educazione “A tutto tondo” è: gratitudine.
Sono profondamente grato per aver avuto l’opportunità di collaborare in un contesto così speciale.
Ritorno a casa felice e colmo di riconoscenza per gli incontri e la bellezza che hanno reso unico questo festival.
È stata un’esperienza entusiasmante, vissuta insieme a persone straordinarie che hanno condiviso idee, pensieri e azioni intorno all’educazione.
Insieme abbiamo creato momenti preziosi e intessuto relazioni da custodire e far crescere nel tempo.
Porto con me nuove idee, prospettive di ricerca e la consapevolezza che educare — a scuola, nel museo o nella piazza — significa curare spazi di relazione, meraviglia e possibilità.
Un grazie di cuore a chi ha reso tutto questo possibile e a chi, con passione e dedizione, continua a credere che l’educazione possa ancora trasformare il presente e generare futuro.

Ogni museo è unico: il territorio in cui sorge, l’edificio storico che lo ospita e la sua collezione contribuiscono a creare un’esperienza speciale per il pubblico.

In questi giorni sto curando un intenso workshop di aggiornamento per lo staff dei musei della @fondazione_partemontis per valorizzare la dimensione unica dei luoghi culturali del territorio.

Oggi ho esplorato il Geo Museo Monte Arci e sperimentato insieme alle operatrici museali, nuovi approcci comunicativi e strumenti per progettare esperienze più coinvolgenti per il pubblico.

Museo multimediale del Casa del Pane di Pompu.
Ci sono musei che sono casa. Luoghi accoglienti, che profumano di storie domestiche, buone come il pane.

Il Museo multimediale Casa del pane di Pompu è proprio così: un museo speciale dove le storie del pane si intrecciano con la bellezza del saper fare artigiano, in un’atmosfera familiare e calda.

Qui si vive un’esperienza autentica, immersi nelle sonorità, nei profumi e nei gesti antichi che parlano di tradizione e comunità.

Ho avuto il piacere di conoscere da vicino la ricchezza di questo piccolo museo nel cuore della Sardegna, accompagnato dalle operatrici museali che, con passione, accolgono e raccontano i musei della Fondazione Parte Montis

Realtà culturali come questa sono presìdi preziosi del territorio: luoghi dove fermarsi, ascoltare, e scoprire un ‘altrove’ speciale.

La parola chiave della mediazione culturale in un museo è favorire.
Favorire scambi significativi tra le persone e l’arte.
Favorire l’incontro tra le domande del pubblico e le suggestioni delle opere.

Con le guide della Stazione dell’Arte e del CAMUC di Ulassai, abbiamo avviato una riflessione condivisa sul ruolo della mediazione in un museo d’arte contemporanea:
come valorizzare lo spazio di relazione tra il pubblico e le opere di Maria Lai?
Come coltivare esperienze coinvolgenti che accendano il dialogo, la meraviglia, l’ascolto reciproco?

Durante una formazione per le guide volontarie del Palazzo Arese Borromeo, ho invitato a riflettere insieme su una dimensione forse meno visibile, ma potentissima, del lavoro culturale: quella del welfare culturale.
​
Siamo abituati a pensare al patrimonio culturale come a un bene da custodire, da raccontare, da proteggere nella sua bellezza e nella sua storia. Ma se provassimo a guardarlo anche come uno spazio di cura, non solo per le opere d’arte, ma per le persone che lo attraversano?
Il welfare culturale è l’insieme di pratiche, progetti e politiche che riconoscono il valore della cultura come leva per il benessere individuale e collettivo.
Significa che un luogo come un museo può contribuire a migliorare la qualità della vita, a ridurre le disuguaglianze, ad accogliere chi si sente fragile, a stimolare chi ha bisogno di ritrovare senso, bellezza, connessione.
I luoghi della cultura sono chiamati a ripensarsi come spazi sociali, dove si può venire non solo per conoscere, ma anche per stare bene, per ritrovarsi, per prendersi una pausa dal rumore del mondo.
​E in questo processo, i mediatori culturali possono diventare ambasciatori di cura, oltre che di conoscenza.

Il workshop Pratiche Sensibili, un’esperienza tra arte e benessere, è stato accolto dall’Accademia di Belle Arti di Urbino come percorso sperimentale dedicato al welfare culturale organizzato dall Professoressa Antonella Micaletti.

Insieme alle studentesse dell’Accademia di Belle Arti, abbiamo attivato uno spazio di relazione intensa intorno all’opera ‘La Cantatrice Assente’ dei Poirier, esplorando il potenziale sensoriale ed evocativo dell’opera.
Attraverso pratiche estetiche e approcci non convenzionali, abbiamo coinvolto la globalità del sentire personale, favorendo un dialogo profondo e immaginifico tra corpo, emozioni e suggestioni dell’opera.

Ci sono luoghi del patrimonio culturale sorprendenti, capaci di illuminare lo sguardo di stupore, come il Palazzo Arese Borromeo di Cesano Maderno.
In questo luogo speciale si è svolto Esercizi di Meraviglia, un workshop dedicato alle guide che animano il palazzo, pensato per sperimentare nuovi approcci di mediazione culturale.
Insieme abbiamo esplorato come creare esperienze culturali accoglienti, partecipative e coinvolgenti, capaci di invitare le persone a vivere il patrimonio su un piano più intenso e personale. Perché meravigliarsi significa aprirsi a nuove prospettive, lasciarsi attraversare dalla bellezza e trasformare l’incontro con la cultura in un’esperienza piacevole e condivisa.
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Palazzo Arese Borromeo

Corso di aggiornamento e laboratorio di progettazione condivisa  a cura di Marco Peri

1. Esercizi di Meraviglia, Workshop di formazione dedicato a nuovi approcci per la mediazione del Patrimonio Culturale (
2. Workshop di progettazione condivisa 
3. Pratiche Sensibili: Welfare culturale, esperienze di benessere nei luoghi della cultura 

Obiettivi:

• Costruire insieme ai volontari, alle guide turistiche, docenti e operatori culturali, un approccio innovativo ed efficace per dialogare con il pubblico eterogeneo del Palazzo Arese Borromeo di Cesano Maderno.
• Generare nuovi percorsi di visita e format di mediazione culturale da destinare alla scuole, alle famiglie e al pubblico in generale.

1. Workshop di formazione: "Esercizi di Meraviglia"
Questo workshop si concentra sulla sperimentazione di nuovi approcci di mediazione artistico-culturale.  Attraverso il confronto tra diverse prospettive, i partecipanti saranno guidati ad esplorare strumenti volti a superare i tradizionali strumenti di divulgazione come la visita guidata e il laboratorio didattico. L’intenzione è favorire la progettazione di esperienze di visita più coinvolgenti per le diverse esigenze del pubblico.
Questo workshop teorico-esperienziale, fornisce esempi e approcci metodologici che i partecipanti potranno applicare direttamente nel contesto di riferimento per:

• Progettare percorsi coinvolgenti ed efficaci.
• Sperimentare nuovi strumenti conoscitivi per vivere l'esperienza culturale.
• Incentivare un'interazione dinamica con i diversi tipi di pubblico, attraverso attività che favoriscono la partecipazione attiva.

2. Workshop di progettazione condivisa
Le attività di questo workshop mirano a sviluppare nuovi progetti di mediazione culturale da sperimentare con le scuole e con il pubblico generale. I partecipanti sono guidati in un percorso che valorizza le attitudini personali nel processo di progettazione di percorsi di fruizione innovativi. La progettazione di un'attività di mediazione artistico-culturale deve essere un processo collaborativo. Così come la mediazione culturale si fonda sul dialogo e sullo scambio con il pubblico, anche la creazione dei progetti educativi deve coinvolgere tutti i mediatori che li metteranno in pratica. L’adozione di format preconfezionati può generare resistenza e distacco, mentre un processo condiviso sin dalle prime fasi del progetto favorisce una comprensione profonda degli obiettivi e rende le mediatrici e i mediatori, capaci di adattare le esperienze di coinvolgimento del pubblico, in modo più efficace e personale.

3. Pratiche Sensibili: Welfare culturale, esperienze di benessere nei luoghi della cultura
I luoghi della cultura hanno assunto nuovi ruoli e funzioni, trasformandosi da spazi di conservazione ed esposizione a contesti creativi di produzione culturale, in grado di agire come agente di cambiamento per la comunità. Questa nuova prospettiva si manifesta nei progetti di welfare culturale, che mirano a valorizzare l’esperienza culturale come strumento di empowerment e benessere individuale e collettivo.
Questo workshop teorico-esperienziale invita a considerare lo straordinario contesto di Palazzo Arese e del suo Parco come un contesto ideale nel quale sperimentare esperienze coinvolgenti per avvicinare pubblici nuovi.
Le “Pratiche Sensibili” offrono l’opportunità di valorizzare l’esperienza unica di ogni individuo, promuovendo una connessione più profonda con l’arte. Il Palazzo diventa così uno spazio sociale in cui prendersi cura di sé e trascorrere un tempo di qualità immersi nella bellezza. Per questa ragione è particolarmente indicato per coinvolgere le fasce più fragili della comunità. Il corso si focalizza su strumenti pratici per coinvolgere il pubblico, invitandolo ad esplorare le sale con un atteggiamento aperto e curioso. L’obiettivo è vivere un’esperienza estetica più intensa, permettendo a ciascuna persona di esplorare liberamente i propri orizzonti immaginativi ed emotivi. Per rendere l’esperienza artistica più ricca e significativa, è fondamentale sperimentare nuove modalità che vadano oltre la mera trasmissione di conoscenze storico-artistiche, consentendo a ciascuno di esprimere la propria sensibilità e costruire una connessione più personale con ciò che osserva e scopre. In questo percorso, l’accento è posto sui processi che l’arte può attivare, per riscoprire la pienezza del proprio essere, lasciandosi coinvolgere completamente nella dimensione più intima e profonda.

Ho il piacere di curare la mostra: geometrie del caso, Carolina Melis con MariaLai. 
Un dialogo inedito tra due artiste che si svolge tra assonanze e contrasti al museo Camuc di  Ulassai fino al 6 aprile 2025. 

La mostra ‘geometrie del caso’ esplora la relazione tra struttura e ritmo, trasformando codici e segni in racconti visivi. La ricerca espressiva si sviluppa attraverso un’astrazione geometrica essenziale e una palette cromatica netta, che generano relazioni dinamiche tra forme, superfici e spazi. Ne emerge un originale approccio narrativo, in cui sequenzialità e ritmo diventano principi compositivi fondamentali, che evocano i codici della coreografia e del design dell’animazione. 

Sono particolarmente soddisfatto di questo progetto espositivo che inaugura una nuova stagione di mostre per il 2025 presso il Camuc (www.camuc.it) e intende dare nuovo slancio di ricerca per valorizzare la collezione permanente della ‘Stazione dell’arte’ delle opere di Maria Lai 
In primavera apriremo una sorprendente mostra “il fascino della sorpresa”, che metterà in dialogo Joan Mirò con Maria Lai.
Durante l’estate arriva la straordinaria collezione d’arte contemporanea Genesi: “La vista non è ancora sguardo”. 
Tutto questo succederà nell’incredibile contesto paesaggistico di Ulàssai, dove la natura incontra l’arte.

Sempre un po’ più lontano…
Queste parole di Corto Maltese mi accompagnano dal 2005, quando ho iniziato a sperimentare attività interdisciplinari tra arte ed educazione alla Biennale di Venezia.
Quest’anno, dunque, posso affermare con piacere che da vent’anni mi dedico a immaginare, ricercare e realizzare progetti di mediazione estetico-culturale per il pubblico del museo contemporaneo.
Il 2025 si apre con una nuova, affascinante collaborazione in Svizzera presso il LAC di Lugano.
Qui avrò l’opportunità di lavorare con docenti scolastici e con il team della mediazione culturale del MASI Museo d'Arte della Svizzera Italiana, in un percorso formativo dedicato all’esplorazione di nuovi approcci alla fruizione artistica. 
Un’occasione preziosa per condividere pratiche, apprendere e continuare a spingersi “sempre un po’ più lontano”, creando connessioni significative tra l’arte e le persone.

​Arte+Educazione è il nome del progetto di ricerca/azione con cui sperimento nuovi approcci di fruizione artistica e mediazione culturale nei musei.
Nelle sale di LAC Lugano Arte e Cultura, ho avuto l’opportunità di condurre un’intensa esperienza formativa condivisa con un gruppo che incarna perfettamente i valori di Arte+Educazione. 
Ho lavorato con le insegnanti di arti plastiche delle scuole elementari della Svizzera italiana, nel Canton Ticino, insieme allo staff di mediazione di LAC Edu.
L’obiettivo è progettare insieme nuove attività ed esperienze per le scuole del territorio, lavorando in sinergia per costruire un’alleanza educativa solida e innovativa.
Attraverso questo processo collaborativo, l’intenzione è sviluppare progetti che arricchiscano l’offerta formativa, promuovendo un dialogo aperto tra scuola e museo e valorizzando il potenziale dell’arte come strumento di crescita e scoperta.

La meraviglia e lo stupore sono elementi fondamentali per una connessione più profonda con la realtà che ci circonda. Attraverso il senso di meraviglia, l’esperienza culturale diventa un terreno fertile per stimolare riflessioni sulla bellezza e sulla complessità del mondo.
Gli “Esercizi di Meraviglia” sono stati ospitati in un’aula davvero speciale: il teatro anatomico dell’Università di Padova presso l’Orto botanico di Padova. 
Nonostante il carattere accademico e formale del contesto ho tenuto un corso per docenti interamente dedicato alla meraviglia, intesa come ispirazione, origine della filosofia, dell’arte e della scienza.  

La meraviglia è un atteggiamento attivo e dinamico che spinge a interrogarsi, a esplorare la complessità, a ricercare. 
È mossa dalla curiosità e induce a farci domande e a cercare risposte.
Ma è anche lo stupore di fronte al mistero e alla bellezza del mondo, un sentimento che coinvolge l’immaginazione verso ciò che è nuovo o sorprendente, senza necessariamente volerlo spiegare o comprenderlo razionalmente.
Negli ambienti d’apprendimento questa esperienza può rendere la conoscenza più significativa e coinvolgente. 

In questo corso ho esplorato il potenziale educativo della meraviglia, come potente motore per sollecitare interesse e curiosità intellettuale nei bambini e negli adulti.
Se, come educatori, sapremo preservare e coltivare la spontanea curiosità dei bambini, valorizzando l’innato senso di meraviglia che caratterizza l’essere umano, sicuramente fioriranno intelligenze più vivaci e creative. 

Questo workshop è parte del ciclo di incontri  "A scuola di Natura” organizzato dall’Università di Padova presso l’Orto Botanico.
#wonderfulleducation #educazioneallameraviglia

​[nelle foto: Abbiamo praticato Esercizi di Meraviglia tra le serre e le piante dell’orto antico, i nostri oggetti di contemplazione immaginativa sono state le piante carnivore che si risvegliano in attesa della primavera e la secolare palma di Goethe con le sue affascinanti storie poetico-scientifiche. Con un‘esplorazione interattiva e sensoriale, ho sperimentato con le partecipanti attività coinvolgenti per coltivare e far fiorire la meraviglia nei contesti di apprendimento.​
In questa relazione, speciale e intensa, con le forme della natura, c’è uno spazio infinito per sviluppare la meraviglia]

Nel vortice frenetico della vita contemporanea, dove notifiche, email e impegni ci trascinano costantemente in un flusso incessante, esiste ancora un luogo dove il tempo assume una dimensione diversa: il museo d'arte.
Non un semplice contenitore di opere, ma un luogo speciale, un altrove dove l'esperienza del "qui e ora" può manifestarsi nella sua forma più pura.
Varcare la soglia di un museo significa entrare in una dimensione temporale alterata. L’atmosfera contemplativa, il silenzio rispettoso, la luce calibrata, creano un ambiente protetto che ci isola dal rumore caotico del mondo esterno.
Davanti a un dipinto o una scultura, siamo invitati a fermarci, a respirare, a essere semplicemente presenti.
L'esperienza dell’opera d’arte è l’opposto dello scrolling dei social media. Mentre il mondo digitale ci spinge verso un consumo vorace e superficiale di immagini, l'opera d'arte richiede una sosta, un tempo di osservazione esteso, prolungato, generoso.
Il diluvio quotidiano di immagini spazzatura che ci piovono addosso attraverso gli schermi ha indebolito la nostra attenzione e rammollito il nostro sguardo.
La continua esposizione a contenuti visivi standardizzati e superficiali ha indebolito la nostra percezione, trasformando lo sguardo in un atto meccanico e distratto. Bombardati da un flusso incessante di stimoli visivi progettati per il consumo immediato, ci ritroviamo con uno sguardo sempre più passivo, incapace di quella tensione attiva e di quella pazienza necessarie per un'autentica esperienza visiva.
I nostri occhi sembrano aver perso la capacità di soffermarsi, di penetrare in profondità, di cogliere le sfumature.

L’esperienza di un dipinto o una scultura, è un’opportunità straordinaria per fermarci e sperimentare un diverso modo di vedere: l'opera originale esige la nostra presenza, richiama il nostro sguardo per un tempo di osservazione che non c’entra nulla con la gratificazione istantanea della logica dell’algoritmo.
L'arte non può essere "consumata" velocemente come un post sui social media. Richiede tempo, attenzione, presenza emotiva e mentale. Quando ci troviamo di fronte a un'opera, siamo chiamati a un dialogo silenzioso che può avvenire solo nel presente assoluto.
Non è necessario essere esperti d’arte per farlo: basta esserci, osservare, lasciarsi coinvolgere. L’arte infatti non richiede conoscenze, ma uno sguardo attento, curioso e aperto alla meraviglia.

È interessante notare come, paradossalmente, opere create secoli fa abbiano la capacità di ancorarci al momento presente con una forza che pochi altri mezzi possiedono. Un ritratto rinascimentale, un paesaggio impressionista, una installazione contemporanea: ciascuna di queste opere ci parla attraverso il tempo, ma ci richiede di essere totalmente presenti nell'istante dell'incontro.
I musei diventano così non solo custodi della memoria collettiva, ma veri e propri spazi di meditazione contemporanea.
In un'epoca in cui la mindfulness è diventata quasi una necessità, questi luoghi offrono la possibilità di disintossicarsi dall’assedio digitale per fermarsi, osservare, ritornare a sentire.
Ogni sala del museo d’arte rappresenta l’occasione per rallentare dalla fretta, ogni opera un'ancora per la nostra attenzione dispersa.
Non è un caso che sempre più persone cerchino nei musei un rifugio dalla frenesia quotidiana, un luogo dove poter ritrovare un ritmo più lento, più consapevole.
Questa dimensione contemplativa del museo può rappresentare un momento di intensa attività interiore, dove percezione, emozione e pensiero si intrecciano in un'esperienza che può essere totalizzante.

L'arte sollecita la nostra partecipazione attiva, ci offre l’opportunità di mettere in gioco la nostra sensibilità, di aprirci all'incontro con qualcosa che trascende la quotidianità.
I musei diventano così luoghi di resistenza contro la superficialità della vita contemporanea. Spazi dove è ancora possibile vivere un'esperienza estetica autentica, non mediata dagli schermi, e intensa, non frammentata dalle notifiche. Luoghi dove il tempo si dilata e si condensa nell'attimo presente, permettendoci di ritrovare la dimensione più profonda del nostro essere.
In un mondo che ci spinge costantemente verso la fretta e la superficialità, l’esperienza dell’arte ci ricorda l'importanza e la ricchezza dell'essere semplicemente qui e ora, presenti a noi stessi e all'opera che ci sta di fronte.

La prossima volta che visiterete un museo, non limitatevi ad attraversare le sue sale, ma approfittate per abitarlo con intensità. Fermatevi davanti alle opere. Osservate. Respirate. Lasciate che il vostro sguardo incontri l'arte senza fretta. Il museo offre un contesto ideale dove il tempo può rallentare, dove l'attenzione può ritrovare la sua naturale profondità.

Per visitare il museo in modo attivo è indispensabile essere curiosi.
Esplorare il museo significa intraprendere un viaggio nel tempo e nello spazio, attraversando confini di ogni genere – tra culture differenti o tra il mondo reale e quello della fantasia.
Le collezioni del museo sono come un grande ipertesto, una rete di connessioni da esplorare in maniera non lineare, uno spazio aperto in cui costruire legami tra opere, idee ed emozioni.

Con la collaborazione dei servizi educativi del Museo delle Civiltà curati da AbIntra, ho avuto l’opportunità di condurre un intenso pomeriggio formativo nelle sale della mostra EUR_Asia.
Riconoscere l’importanza della mediazione culturale in un museo significa valorizzare il profondo lavoro di ricerca che rende possibile la connessione tra pubblico e contenuti culturali. Per me è essenziale dare visibilità ai processi formativi che permettono di svolgere questo ruolo educativo in modo innovativo e trasformativo.
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Sono felice di condividere alcune immagini del workshop Esercizi di Curiosità.
È stata un’occasione preziosa per sperimentare e riflettere sulle strategie utili a creare scambi significativi tra le persone e i contenuti culturali del Museo.

L'ultima sessione del workshop è stata dedicata al confronto e alla riflessione intorno ad alcune domande importanti delle mediazione culturale nel museo: 

• Come possiamo creare un incontro tra le persone e i contenuti culturali che sia davvero coinvolgente e significativo?
• Quale tipo di conoscenza o consapevolezza dovrebbe emergere da una visita in museo?
• Quali sono le competenze fondamentali da sviluppare per interagire efficacemente con un pubblico eterogeneo?

Queste domande sono fondamentali per agire responsabilmente il ruolo della mediazione culturale.
Durante il workshop ho proposto di rispondere in forma partecipata, come spunto per aprire il dialogo sul proprio approccio educativo e sulle questioni più ampie dell’educazione al patrimonio culturale.
Il confronto e la discussione su questi temi arricchisce tutti. L’invito è di prendersi il tempo per riflettere insieme.

#mediazioneculturale #educazionemuseale
#formazione #workshop

Foto di gruppo tra i capolavori delle Gallerie dell’Accademia di Venezia.

Ho avuto il piacere di condividere il workshop Pratiche Sensibili con un gruppo di persone attente e curiose, un’esperienza dedicata al welfare culturale e alla sperimentazione di nuovi modi di vivere la cultura, in cui l’arte si trasforma in occasione di benessere e connessione interpersonale.

Abbiamo esplorato insieme pratiche e azioni per rendere il percorso al museo un’esperienza più empatica e coinvolgente, un’opportunità per abitare la cultura come strumento di relazione, condivisione e crescita personale.

L’arte diventa così uno spazio da vivere in modo creativo e partecipativo.

La prima pratica che ho proposto è stata una sessione di Mindfulness dedicata al respiro e alla risonanza con l'ambiente del museo. Quest’opera del Tiepolo è stata il nostro oggetto di contemplazione e meditazione.

Praticare Mindfulness davanti a un’opera d’arte è un’opportunità per aprire uno spazio creativo tra i nostri pensieri e vivere un’esperienza estetica più intensa.
Significa abbandonare il giudizio e accogliere con piena attenzione il momento presente, lasciandosi guidare dalle sensazioni che emergono.

Questo approccio consente di superare la fretta e la superficialità che caratterizzano il nostro quotidiano abituale, per esplorare con piena consapevolezza nuove sfumature dell’opera, percependo non solo i dettagli visivi, ma anche le emozioni, le risonanze personali e il silenzioso dialogo che si instaura tra noi e l’arte.

Meditare al museo è un invito a entrare in contatto profondo con la nostra sensibilità, scoprendo significati nascosti e rafforzando il legame tra l’opera e la nostra esperienza interiore.

#arte #mindulness #museo #esperienzaestetica #benessere

In inglese, questa pratica viene chiamata Slow Looking, è un invito a uno sguardo intenso, generoso e prolungato, curioso e aperto alla meraviglia, da coltivare negli spazi espositivi.

Una delle straordinarie opportunità che l’arte visiva ci offre è quella di rinnovare il nostro modo di guardare, superando la dimensione passiva di spettatori.
L’esperienza dell’arte ci invita a uno sguardo attivo e presente, che si intreccia con il nostro modo di essere, la nostra sensibilità e cultura, dando forma all’esperienza individuale della percezione.

Durante il workshop Pratiche Sensibili, ho proposto un esercizio di osservazione lenta, dedicando 5 minuti a una sola opera. L’obiettivo era sperimentare attivamente come il tempo permetta al nostro sguardo di andare oltre la superficie e consenta all’immagine di rivelare tutte le sue potenzialità comunicative. 
SlowLooking, slow art
La pratica dell’osservazione lenta propone di considerare la sala del museo non come una lista di cose-da-vedere, ma piuttosto come il menù di un ristorante, da cui scegliere con cura l’opera da “gustare”, attentamente.
Un quadro o una scultura a cui dedicare tutta la nostra attenzione per un’osservazione prolungata che consente all’immagine di tramettere tutta la sua potenza comunicativa.

#slowlooking #sguardo #osservare #arte #museo

Avere a disposizione strumenti grafici e un taccuino per disegnare durante un percorso al museo è un’opportunità preziosa. Gli artisti, nel tempo, hanno sempre disegnato, copiato e preso appunti visivi per nutrire la loro creatività.

Disegnare al museo permette di esercitare uno sguardo attivo che collega il pensiero all’azione e trasforma l’osservazione in un processo di scoperta personale. È un modo per vedere di più, per cogliere le sfumature che emergono dal tradurre in segno ciò che si osserva, scoprendo dettagli che sfuggono a uno sguardo veloce.

Questa pratica non è un'esercitazione sul disegno, si tratta semmai di uno schizzo veloce, che però invita a rallentare, a immergersi nell’opera e a instaurare un nuovo dialogo con essa, dove il segno diventa un mezzo per approfondire e arricchire la propria esperienza visiva dell'immagine.

Durante il percorso formativo Pratiche Sensibili, ho proposto alcune attività pensate per incentivare le relazioni tra i partecipanti, creando occasioni di dialogo e connessione interpersonale che favoriscono il benessere individuale e collettivo. Questi momenti hanno incoraggiato l’interazione tra sensibilità diverse, generando preziose opportunità di ascolto e confronto.

L’esperienza condivisa a contatto con l’arte non è stata solo un’occasione per apprezzare le opere, ma anche un’opportunità per scambiare idee e confrontarsi tra prospettive diverse. Questo approccio ha contribuito a creare uno spazio accogliente in cui i partecipanti hanno potuto esprimere se stessi condividendo i propri commenti e impressioni.

Queste pratiche di reciprocità migliorano il benessere psicofisico, poiché favoriscono un clima rilassato e promuovono un senso di appartenenza e connessione interpersonale.
L'arte diventa quindi un catalizzatore per il dialogo e l'interazione, aiutando le persone a stare bene, a sentirsi più connesse con sé stesse e con gli altri.

#scambi #condivisioni #interazioni

Questa attività prevede l’osservazione di un dipinto abbinata all’ascolto di diverse atmosfere sonore per esplorare il modo in cui suono differenti possono influenzare la percezione visiva e emotiva dell’opera.

Attraverso questa pratica, i partecipanti possono apprezzare come ritmi, timbri e tonalità sonore interagiscano con colori, forme e composizioni, suscitando stati d’animo e interpretazioni diverse della stessa immagine.
L’ascolto di una musica calma e avvolgente può per esempio amplificare l’aspetto contemplativo del dipinto, mentre una traccia sonora più intensa o dissonante potrebbe evidenziare dettagli o atmosfere nascoste, arricchendo di nuove suggestioni la relazione con l’opera.

Questa esperienza sensoriale combinata permette di sostenere il nostro sguardo in modo più coinvolgente, amplia il ventaglio percettivo e permette di scoprire come il dialogo tra suono e visione arricchisca l’esperienza dell’arte.

La pratica dell’Ekphrasis, ovvero la descrizione viva e dettagliata di un’opera d’arte attraverso le parole, affonda le sue radici nella cultura greca ed è un potente strumento per arricchire l’esperienza museale. Questa attività consente di avvicinarsi all’opera non solo con gli occhi, ma anche con l’immaginazione e la propria sensibilità. Attraverso il potere evocativo delle parole, l’opera si trasforma in un racconto, un ponte immaginario tra il visibile e l’invisibile.

L’esercizio dell’Ekphrasis consiste nel descrivere accuratamente l’opera, nel tentativo di “dipingerla” nella mente di chi non può vederla. Da un lato, questa pratica è un invito a osservare con maggiore intensità e a tradurre l’opera in parole che restituiscano il senso del nostro sguardo. Dall’altro, ci ricorda che l’arte non è solo da guardare, ma rappresenta uno straordinario esercizio per l’immaginazione e per la narrazione.

Nelle parole di una partecipante sensibile ho trovato la descrizione più appropriata: “Vedere a occhi chiusi sembra quasi un ossimoro. In realtà le parole alimentano la nostra immaginazione e ampliano la nostra capacità di vedere. E ciò che vediamo è il frutto di ciò che siamo, di ciò che abbiamo visto prima, dei nostri studi, della lingua che conosciamo e utilizziamo, della nostra enciclopedia di sentire e sapere. Poi apriamo gli occhi ed ecco la meraviglia: quella dell’immagine immaginata che non è mai quella vista; quella in cui comprendiamo che le parole, anche le più esatte, non esauriscono mai la visione; quella che scatena il desiderio di condividere cosa avevamo visto con l’immaginazione e le emozioni che suscita questo tipo di sguardo.”

Praticare Ekphrasis diventa così un’occasione preziosa per generare dialoghi e scambi intorno all’opera, creando un’esperienza condivisa che arricchisce la comprensione e l’apprezzamento dell’arte.

Ho avuto il piacere di curare il SarrochArt Festival nel comune di Sarroch (CA), un’esperienza di arte pubblica e partecipata come strumento per consolidare relazioni di comunità.

Per tre giornate, SarrochArt Festival ha animato una strada pedonale trasformandola in un flusso continuo di idee, emozioni e esperienze condivise, che hanno coinvolto principalmente le nuove generazioni.

Insieme a Maria Tedde, Massimo Congiu, Mauro Rizzo Maram ART, abbiamo cercato di creare un’opera smisurata, intrecciata al contesto urbano e sociale del paese, con un messaggio visivo accessibile a tutti.

Persone dai 3 ai 90 anni sono venute a lasciare una traccia in un’esperienza di pittura collettiva.
Un’occasione che ha alimentato incontri, dialoghi e scambi, arricchendo la vita quotidiana con l’arte. La potenza espressiva della pittura ha offerto a ciascuno dei partecipanti la possibilità di contribuire attivamente alla trasformazione dello spazio.

Attraverso l’arte delle relazioni, abbiamo utilizzato il colore e il disegno come strumenti accessibili di partecipazione, capaci di esprimere emozioni e liberare energia creativa.

Il gigantesco murale, realizzato con il contributo attivo di centinaia di persone, nasce dall’immaginazione delle bambine e dei bambini che hanno riflettuto sulla cura degli spazi comuni e sul rapporto con la natura.

Speriamo che questa strada diventi un catalizzatore di relazioni e appartenenza, uno spazio nuovo che amplifichi la vitalità e il senso di comunità.

SarrochArt non è stato soltanto un grande murale di oltre 500 mq, ma un processo creativo che ha dato nuova vita a uno spazio pubblico che ora riflette il contributo di tutt*

È stato un progetto visionario in cui ci siamo impegnati a riqualificare un luogo di transito, per trasformarlo in un nuovo spazio sociale e di incontri.

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In occasione della mostra mostra Genesi - Arte e Diritti umani, in esposizione nell'affascinante Palazzo Arese Borromeo di Cesano Maderno, ho condotto una ricca e piacevole giornata di formazione dedicata alla sperimentazione di nuovi approcci partecipativi e coinvolgenti per la mediazione dell’esperienza culturale.
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Nella magnifica cornice delle sale del Palazzo, ho guidato un gruppo di guide e volontari delle associazioni che operano in questo luogo incantevole, nella scoperta di modalità più creative per vivere l’esperienza artistica e culturale.
Un percorso che ha stimolato l’uso di risorse cognitive ed estetiche personali, favorendo la creazione di uno spazio di relazione più intimo con l’arte e promuovendo momenti di incontro, scambio e condivisione tra le sensibilità di ogni partecipante.

Desidero esprimere un sentito ringraziamento al Comune di Cesano che ha accolto la formazione e a tutte le partecipanti che hanno animato con sensibilità l'esperienza formativa.
Maggiori informazioni sulle attività didattiche della mostra sul sito:
 https://associazionegenesi.it/tappe/cesano-maderno/